广州这场日本平面设计大展，阵容超强大，干货满满

顶级设计创意到底长什么样？

日本有一场平面设计展，这场设计展被称作是“迄今最大规模”的，它正将答案搬到广州来。

11月6日起，至12月7日，“一天世界：Graphic Design in Japan——日本平面设计大展”登临广州美术学院大学城美术馆，300多件经过精心挑选的原作亮相，超过百位日本顶尖设计师汇聚于此，就连JAGDA（日本平面设计协会）的年度代表作以及30年年鉴精选也一并进行展出。

甚至存在25组，由中日两国创作者所进行的，关于纪录片的对谈，直接针对当下最为敏感的那个话题，即：AI究竟会不会将创意吞噬掉呢？

本土文化如何在全球语境中发声？

这不是一场“看图展”，更像一次方法论的实战课。

这次展的阵容很少有机会在国内一次性见到。

原研哉的名字，北川一成的名字，植原亮辅的名字，冈崎智弘的名字，菊地敦己的名字，排起来就像一本日本设计教科书。

以“JAGDA赏”为起始，接着是“平面设计在日本”，然后是聚焦北川一成的个人单元，再之后是“25组中日设计师对谈影片”等核心单元，其信息量虽大却并不晦涩。

呈现给你的是，年度最为强劲的视觉方面的答案，你可以直观目睹，还能够深入进入到一位设计师的脑部内部结构之中，更进一步地，能够安稳坐定去聆听一场跨越国家的“创意辩论” 。

在对谈影片这件事情上，是导演鄢雨来把控全局，其将镜头聚焦于AI、全球化、本土意识、跨文化创作，而这些都是那种特别容易引发争论，可又绝对必须要去直面的议题，要使得不同的观点强硬地相互碰撞，不故作姿态。

存在着不少人，对于“日本设计”，其刻板印象是，带有“留白”的特点，呈现出“极简”的风格，并且会把字排列得规规矩矩 。

展厅里会打破这件事。

原研哉所呈现的“空”，并非是那种空无一物的状态，而是经过将日常不断拉向极简之后所形成的那种秩序以及力量；北川一成创作的海报，仿佛是把笑点、恶作剧以及文化符号相互拧合在一起，这种海报在颜色以及构图方面往往并未遵循常规思路，可就是能在瞬间抓住你的目光；JAGDA历经多年精心挑选出来的年鉴，把“时代究竟如何发生变化、视觉又该如何与之相跟随”这样的内容呈现在你眼前——其中不但涵盖了广告、展览、社会议题、品牌系统等诸多方面，从中能够看到设计是怎样走出只是追求“好看”的那种舒适区域，进而走向去与现实存在的棱角展开对话的过程。

有些作品，会让你，会心一想就笑了，有些作品，会让你，停下来，多看好几秒，因为，它们是对我们熟悉的东西，换了个角度 。

广州这一站不只是“巡展路过”，背景更耐人寻味。

广美和日本平面设计的关系，能追溯到上世纪70年代末。

那时现代设计的浪潮经由香港进来，广美最早拥抱这股风。

构成教学，源于包豪斯，于日本落地生根，它冲破往昔“绘画加图案”的路径，使得设计切实转变为一种能够进行推演、可以开展训练的方式 。

之后，福田繁雄将“错视”以及机智带入校园，田中一光把传统文化装入现代视觉的外壳之中，龟仓雄策借助一个平面来表达社会意志，而这些均成为了广美课堂的“暗线”。

许多教师去往东方渡过海洋，学习有成回来，将那一套对待细节所持的敬畏之情，以及对品牌精神的理解带回岭南地区。

因此这一回，不是仅仅观看日本作品而已，更是于一面“镜子”跟前映照自身，我们是怎样被施加影响，当下能够行进至何种境地。

站在普通观众的视角来看，这场展览不但好看而且不会让人感到疲惫，无论是所展览的海报，还是书籍，亦或是品牌视觉，观众们都能够一眼就看明白；而对于设计从业者而言，这场展览则更像是一场开卷考试：当今时代，AI工具已经把执行力提升到了极致水平并且创作风格愈发容易被复制，那么究竟什么样的东西是无法被替代的呢？

展览给了三个可落地的抓手。

首先是“方法而非手法”，要让点子从文化的土壤之中生长出来，并非是在流行样式之上进行配色的更换。

其一为“公共性”，并非仅是服务品牌，还对社会情绪予以应答，且针对公共议题有所回应。

首先是“跨文化表达”，这得是，不但要善于运用“方言”来进行表述，而且还要能够熟练使用“普通话”，借此达成让处于本土语境里的内容，能够被全球范围的人群所理解的目的 。

在纪录片对谈当中，针对于AI与创意之间的那种拉扯这件事情，显得格外尖锐，具体表现为，当工具变得越来越强大的时候，人究竟还能够凭借什么取得胜利呢？

答案不在“比谁更快”，而在“谁能提出更好的问题”。

逛展可以有个小路线。

首先，去看“JAGDA赏”，以此来把握日本平面设计这一年的“气候”，还能了解当下被视作“代表作”的是什么；接着，去看北川一成的个人单元，从中感受，一位成熟设计师是怎样将幽默、反叛以及秩序调配成自身配方的；最后，坐下来完整观看一段对谈影片，带着问题进去，带着答案出来：AI在你手中究竟是工具还是拐杖？

你的本土经验如何变成有全球理解力的视觉语言？

这样的观看顺序，让“看热闹”自然过渡到“看门道”。

有人会问，这么多日本大师，对中国设计的意义是什么？

意义不在“跟谁像”，而在“学会想”。

在原研哉于“空”之中寻觅到东方哲学相应的回响之际，在佐藤卓借助“解剖”手段将复杂事物剖析至常识层面之时，在葛西薰的温润与服部一成的叛逆同时现身的状况下，我们会察觉到：风格各不相同，然而底层存在共通之处——设计乃是把世界观落实到图像之上的一项工作。

这比任何软件更新都更难，也更值钱。

展期只有一个月，时间卡得紧。

要是你身为学生，或是成了设计师，于此处，能让你迅速构筑起当代日本平面设计的“基准线”，要是你是普通观众嘛，同样也能够在较为轻松的观看之际，再度去领会“好设计”的标准，那便是，并非依靠堆砌技巧，而是要能够将想法清晰讲明白，把文化淋漓尽致讲鲜活，把时代有条有理讲透彻喽。

走开展厅之后，你或许不会马上创作出一件堪称“大师级”的作品，不过你会在每一回进行排版之际，每一回挑选图片之时，每一回拟定标题之时，去问自己一个更深层次的问题：我究竟在表达什么呢？

当人工智能与虚拟现实重新塑造创作生态之时，真正匮乏的并非风格，而是判断力，句号。

这场展把判断力长什么样，摆在我们眼前。

在广州的这一站，那可是万分值得你特意留出半天的时长，去瞧瞧顶级的创意究竟是以何样的方式在纸面上，为未来指引出一条走向的路呢。

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